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1,当前普通高中阶段美术课程还存在那些不足

1、高考的压力大,影响学生对美术课程投入的时间及精力 2、学校的领导不够关注重视 3、课程本身的局限性资源匮乏 4、美术师资的缺乏和不理想

当前普通高中阶段美术课程还存在那些不足

2,如何突破传统美术教学的瓶颈

在课堂情境中,重要的事就是以相互信任为基础的师生关系……与教师的态度和师生关系相比,学校里的一切材料、设备和场地的重要性便居于第二位了。"师生关系好,彼此心理相容,教与学双方都会沉浸在轻松愉悦的课堂气氛之中。教师讲解激情满怀,生动传神,学生学习全神贯注,兴趣盎然。
这个时候一定要放稳自己的心态

如何突破传统美术教学的瓶颈

3,特色教学艺术存在的问题是什么

学生学习方式转变,但学生自己不能成功地自主、探究、合作学习方式是学生在完成学习任务过程中基本的行为和认知取向,即学生在研究解决其学习任务时,所表现出来的具有个性特色的方式。那就要改变传统教学中的过于强调接受性学习、死记硬背、机械训练的现状,鼓励学生自主、合作、探究地学习,但常常不好操作,流于形式,缺乏在个体独立思考基础上的真正合作,在课堂中只有少部分同学能参与,其他同学仍是被动,没有表现的机会。有的学生合作学习时,不会倾听,不会合作。

特色教学艺术存在的问题是什么

4,浅谈初中美术教育存在的几个问题

现如今,我国的基础教育工作进入了全面推广素质教育阶段,也让越来越多的人了解到美术教育在实现素质教育的重要作用,其中最具代表的要数初中美术教育.美术作为一门教育工作的重要学科,它不仅是美育的重要内容和途径,还是促进学生德、智、体全方面发展的必修课程.但是由于教育发展水平不均衡等原因初中美术教育仍存在一些问题
因为在农村 所以思想与经济都比较落后 画画可能被人们认为是不务正业 作为美术教育者也不被重视 加上经济水平不高 购买能力有限 一些画画的工具无法满足 加上初中处于升高中的阶段 很多家人希望孩子能考上好的高中 离开农村 学生学习美术的时间也少之又少 再加上见识面不广 理解能力有限 对于美术教育的深度与广度都有影响

5,美术课程实施中还有哪些问题需要解决您的建议是什么

课程实施中存在的问题 1.部分学校或教师对美术新课程实的实施工作存在着思想认识模糊,教育教学观念落后的问题,主要表现在对美术学科重视不够。认为新课程实验无非是用用新教材;对新教材的使用无非是换换教学内容;这些模糊的认识导致教育教学目标、教学思想、教学方法和教学效果等方面偏离新课程改革的初衷。2.部分教师对如何按照课程标准的要求上好美术课存在一定的困惑,教师对详尽清楚的课程标准和教参仍有很强的依赖心理。例如,在如何处理教学进度这个问题上,教师仍然在期待课标或教参对教学进度能有一个明确的规定,一旦课标和教参没有给出这样的规定,教师们便非常不安,只是抱怨教科书教参不好用。3.部分教师对教材了解不透,对《课标》理解不深,对课堂教学设计不够新颖,使用新教材力不从心。也有部分教师在创新面前畏难发怨,不愿吃苦,怕受麻烦,迈不出新路子,存在“穿信鞋走老路”现象,教师在课堂上受传统教学模式的影响和束缚比较严重,传统的教学形式和思想依然存在。4.少数学校硬件设施还达不到一般教学要求,美术教学参考资料较少或没有,学生的课堂学习愿望还不能得到完全满足5. .教师专业素养得不到提高 教师从师范毕业后就很少参加过系统的专业培训,专业水平得不到提高,而以前在学校学的知识现在先让更不上时代的发展和教育的要求。促进美术新课程实施的几点建议: (一)加强教研力度,合理利用教材,进行课题研究。 (1)美术教师要开发利用信息技术,构建美术学科与相关文化的联系。如:合理、适当运用多媒体手段,进行立体教学,增加视听效果,教师要多鼓励学生上网查找相关资料,开拓学生视野,扩大知识面。(2)美术教师必须要钻研教材,领会教材编写意图,挖掘隐含在教材中的知识点:表现手段及相关社会文化等内容,以审美为主线将这些内容贯穿起来,以符合美术《课标》和新教材的要求。(3)灵活运用、处理教材,适当扩充和删减、调整教学内容,创造性地使用教材,尝试多种构思。如:可调整教材教学顺序,调整教学内容;又如:可根据本区或地域美术文化习俗,选取恰当的角度或材料,进行富有特色的教学等。(4)多举办采风、写生、看画展、专家讲学等活动,开阔教师视野,提高水平,跟上时代的步伐。(二)实施美术校本教材的开发与利用 学科性的内容选择。如:工艺、绘画、欣赏、书法、乡土工艺等等。②把好校本教材的资格审定、质量关问题,并出台一个相应的地方策略。③校本课程的开设要与以前八、九十年代的美术特长、兴趣小组班辅导相区别。(三)落实学校场地、器材、学习研究资料配备的建设 《美术课新课程标准》在教学内容和方法上给予了学校和教师以更在的选择余地和自立空间,大大降低了对特定器材的依赖性,但教师教学的基本条件,还是应得到保证。如:教学的示范用品、资料与教学实物模型等。

6,幼儿美术教育中仍存哪些问题

问题大哦!很多时候是老师帮助画画,不是孩子自己的创意
一、幼儿园美术教育中存在的问题   幼儿园美术教育中存在诸多的问题,笔者主要是从美术教育的内容、教学方法、作品评价三个方面来论述幼儿园美术教育中存在的问题。   1.幼儿园美术教育内容不够全面,偏重绘画的现象严重   幼儿园美术教育活动主要包括绘画、手工、美术欣赏三个方面的内容。笔者通过在幼儿园的实地观摩发现现在诸多幼儿园在开展美术活动时存在着教育内容单一,偏重绘画的现象。在笔者去过的几所幼儿园中,幼儿园展示出来的幼儿的美术作品主要是绘画作品,很少有幼儿的手工作品,还存在着很多幼儿园将美术教育活动等同于画画课。儿童绘画教育活动是教师引导儿童用各种笔、纸等工具和材料,运用线条、造型、色彩、构图等艺术语言创造出视觉形象,从而表达作者思想、情感的一种活动。   幼儿园存在着城乡差异、区域差异,不同的幼儿园软硬件条件差异很大,但幼儿园中美术教学活动内容单一,偏重绘画的现象是普遍存在的。   2、幼儿园美术教学方法单一   幼儿园美术教育活动的教育方法单一,主要是采用示范法、范例法。例如:笔者在山东省济南市某十佳幼儿园大班观摩了一节美术教育活动(日常的美术活动并非公开课),用墨和中国画颜料画公鸡吃虫子,完全是教师先示范,之后幼儿自己画。再来看一个关于范例法的例子,笔者在四川省南充市某公立幼儿园观摩了一节大班的美术活动--画螃蟹。带班老师首先在网上搜到各种螃蟹的图片让幼儿们观察欣赏,随后让幼儿总结螃蟹的基本特征,幼儿们在教师的引导下总结出螃蟹有六根腿,椭圆形的身子,两只钳子,两只眼睛以及这些身体部位的分布。最后教师在黑板上用粉笔将螃蟹画出,并将整幅画赋予情境性画上了几只蝌蚪、水草还有水面,幼儿们开始按照教师的范例作画。幼儿很快就忘记了自己观察的到的螃蟹的样子,只是不时的抬头去看教师出示的范例画,有的幼儿连螃蟹游动的方向也要和示范画的一样。   以上两个例子都是主要采用示范的方法来教授幼儿作画的,画螃蟹的例子多了一项画前的欣赏可是最后还是难以摆脱示范方法。幼儿园美术教育教学方法   一,依旧是一个普遍性的问题。   3、幼儿园美术作品的评价缺乏多元性   幼儿园的美术作品在评价上还是以幼儿画的像不像,整体构图是否合乎逻辑,用色是否符合事物的特征等来评价幼儿的作品。笔者在幼儿园观摩时看到了很多教师帮助幼儿画或者手把手教幼儿画的现象,更有甚者让班里画的好的幼儿帮助画的不好的幼儿作画,就是为了让幼儿家长看到幼儿作品时不发出牢骚不抱怨自己孩子什么都不会画。为了迎合家长的心理,为了让幼儿的成长档案完善,为了不被家长责备,有不少的一线幼儿教师们竟然采用这样的方式。值得我们深思的是:什么原因导致了这种不良现象的出现呢?   幼儿园美术作品的评价方法单一,缺乏多元性,导致了很多恶果这也是目前幼儿园美术教育的存在的主要问题之一,必须引起教育工作者的注意。正是因为幼儿园美术教育教学活动缺乏正确的、合理的、科学的、多元的评价体系才造成了上面种种不良现象的发生,这也警示教育工作者必须正视幼儿美术作品的评价。   二、策略   针对于上述幼儿园美术教育活动中存在的问题,制定切实可行的策略克服上述各项问题是重中之重,针对于笔者上文列举的幼儿园美术教育中存在的问题,笔者将从三个方面来论述解决策略。   1、多种美术形式并行   作为一线教师应该对于幼儿园美术教育有一个客观的、科学的认识。幼儿美术教育包括绘画、手工、美术欣赏三个方面的内容,幼儿教师应该不断拓展自己的有关美术这门艺术的认识,在拓展知识面的同时根据自身以及教育对象的特点,密切的联系实际选择适合幼儿年龄特点的美术教育内容,打破传统的美术教育只是局限于纸笔绘画的局面。美术教育追求的是幼儿在美术活动中获得情感体验,追求的是幼儿从中获得乐趣,从中获得发展和进步;而不是单单看看哪个幼儿画的最像实物,哪个幼儿整体构图最好,亦或者是哪个幼儿色最准确!作为一线教师应该为幼儿创造充分体验各种的美术形式的机会,让幼儿在绘画、手工齐头并进,同时要认识到美术欣赏的重要性,作为绘画和手工的前提和基础美术欣赏是非常重要的。作为幼儿教师要兼顾幼儿美术教育三方面的内容,每个方面中都选择适合幼儿年龄特点内容组织。   2、采用多元的教育方法   幼儿园美术教育要采用多种教育方法,打破仅仅局限于示范法、范例法的局面。笔者不否认示范法在幼儿美术教育中的重要性,为了提高美术教育的有效性幼儿园应该采用多种教育方法相结合的方式开展美术教育。幼儿园美术教育可以根据幼儿的心理特征和年龄特征采取多种教育方法,例如游戏法、观察法、亲近自然法、参观法等。   (1)、示范法   幼儿教师应该不断优化示范法的实施过程,例如上文中提到的有关画螃蟹和画公鸡的两个案例,教师可以给幼儿示范作画的步骤和要点,在示范每一个要点时要反复强调"小朋友们,认真想一想还可以怎么画啊?待会我就来看看那个宝贝可以和我画的不一样呢......",改变以往的"看看谁和我画的最像"。教师做完示范后可以将自己的示范作品移走,给幼儿留下实物或者其他图片作为模型,这样可以避免幼儿只是临摹教师的作品的现象。   (2)观察法   观察法:是指让幼儿有目的、有计划、比较持久地通过感官感知事物的一种方法。在幼儿开展每种形式的美术教育活动时,都可以结合观察法。例如:在画螃蟹和公鸡时,教师可以提前一周或者两周的时间将和父母一起观察螃蟹或者公鸡的任务下达下来,让幼儿在生活中先去接触并观察所要画的或者要手工制作的实物。在开展美术活动时尽可能的讲实物展示给幼儿集体观察,幼儿通过观察将实物的直观形象在脑海中形成一个印象,更利于幼儿美术活动的展开。   (3)参观法   组织幼儿对一些美术工艺品进行实地的参观对于幼儿美术活动的展开意义重大。每个地区都有着属于自己的独特的民俗和传统文化,艺术作为其中一部分也同样有着地方特色,每个地区都有其独特的艺术作品值得幼儿参观欣赏。例如:上海地区的东方明珠这一建筑物,在进行相关的绘画活动时可以组织幼儿参观东方明珠,通过参观法来协助幼儿美术活动的展开。幼儿园还可以组织幼儿参观艺术画廊、博物馆等。   (4)游戏法   游戏法:游戏法就是让幼儿在游戏的情境中运用美术工具和材料进行美术活动。运用这种方法,幼儿学习起来毫无思想负担,能轻松自然愉快地获得知识和技能。游戏法是一种很好的教育方法,即运用游戏方法达到美术教学的要求,又用美术活动的成果开展游戏,调动了幼儿学习的积极性,使幼儿由被动学习变成主动学习,在轻松愉快的气氛中学习知识,从而使幼儿提高对美术的兴趣,发展幼儿的想象力等。   在开展美术教学活动中要有机的结合各种教学方法,只有各种教学方法有机的结合才能促进美术教育更好的开展。   3、构建教师幼儿共同评价的评价体系   幼儿园美术作品在评价时主要是以成人评价为主的。成人在评价幼儿的美术作品时主要从成人的角度去看问题,用成人的眼光和思维方式来评价幼儿的作品。有很多幼儿园开展完美术活动后根本就没有作品评价这一环节,只是将幼儿的作品做一个简单的展示而已,针对于这一问题笔者有以下几个建议。

7,美术方面的问题

中西美术史中“形神观”的分化与融合 绪论:千古冤家——“形”和“神” “形似”和“神似”,一个是理性的对待对象;一个是感性的对待对象。在绘画领域是一个永恒的话题。在这种问题前,挚着是不行的。尺寸问题是避免迷失的关键;而辨证的分析是走出理论迷宫的不二法门。在本文中无意也无力对这一个千古的理论悬案作出一个评价,只是想将各类的观点理成一个脉络。形似(简称形),顾名思义就是在物象外形上肖似。但这一个含义在不同的环境下(中西、古今……)是不同的。在西欧古希腊和文艺复兴时期,形似的地位是关系着绘画的成败的。而在中国古代,形似的地位就微妙了一些。顾恺之是一个形神兼备的倡导。他的:“传神写照,正在阿睹中。”被后世千古引用。后来还被徐悲鸿列入“新六法”中。这一传统很顺利的保持到了宋代的画院里。可是当时正当文人画兴起,形似的待遇微妙的变化。在苏轼的倡导下,绘画讲究自我表现,追求意境、神似的风气,得到文人士大夫的普遍认同。文同、李公麟、王诜、赵令穰、米芾父子等沿波而起,躬行实践。神似成了绘画品位的代名词(这里的神似和顾恺之的神似已不同了。即物象的神和画面——作者的神的区别。) 西方绘画则有严谨的体系 比如透视学和解剖学 都是非常科学的 由于中西美术的社会背景、思维习惯和宇宙观的不同导致了中西美学的差异,使中西方两大美术体系形成了不同的历史和风格,并由两大体系产生出美术视野和美术创作的多元性。中国画是中国传统绘画的主要种类,在古代无确定名称,一般称之为丹青,主要指的是画在绢、纸上并加以装裱的卷轴画。近现代以来为区别于西方输入的油画等外国绘画而称之为中国画,简称“国画”。油画最早起源于欧洲,大约是15世纪时由荷兰人发明的。它们分别是这两大体系的代表画种,在诸多方面存在着很强烈的艺术个性,现从以下几方面来论述中西绘画的差异:首先是媒介、材料不同。国画是用中国所独有的毛笔、水墨和颜料,依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。中国画按其使用材料和表现方法,又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等;按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。中国画的画幅形式较为多样,横向展开的有长卷、横披,纵向展开的有条幅、中堂,盈尺大小的有册页、斗方,画在扇面上面的有折扇、团扇等。国画在思想内容和艺术创作上,反映了中华民族的社会意识和审美情趣,集中体现了中国人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。油画使用亚麻子油调和颜料,不透明,覆盖力强,所以绘画时可以由深到浅,逐层覆盖,能使绘画堆塑成浅浮雕一样的立体色层,也能用透明色造成层层罩染的丰厚效果,一个能引起视觉专注的光辉的高点,有三度空间和立体感觉。在经过处理的布或板上作画,干后不变色,多种颜色调和不会变得肮脏,画家可以画出丰富、逼真的色彩。油画适合创作大型、史诗般的巨作,因此成为西方绘画史中的主体绘画方式。19世纪后期,由于科技发展,许多新材料应用于油画领域,如丙烯颜料,油漆等。其次是用线、色彩不同。国画基本上用线条、墨团、细碎墨点组成,而墨团和墨点只不过是线的扩大和缩小,它们十分讲究骨力。 国画的笔尖、笔肚、笔根都会产生不同味道的线条。运笔时候还具有中锋、侧锋、卧锋、逆锋、拖锋、藏锋等笔势变化。其用线体现充分,“十八描”、“十四皴法”丰富地体现了线条和墨画的疏密、轻重、浓淡、干湿等相反相成的法则,这些法则体现出一种音乐性,抽象性、情绪性、感情性,画家通过用笔的疾徐、联绵、钝锉、刚柔等所造成的时间性的运动感、节律感,使画家的主观情感留驻于纸上。所以国画也可以说是线的艺术。它的形式美感,是线条交织的节奏而产生的音乐性的美感。国画的色彩同样是抽象性的,它不模仿具体物象的色彩,着意构造色彩的调子。国画的“墨分五色”就是说墨的韵味可以造成丰富的色彩错觉,产生闪烁的色彩。它或以单纯的色相,饱和的色度,造成响亮灿烂的效果;或减弱色度,缩小色相的差别,创造恬淡而蕴藉的效果。油画主要是由光影明暗色调组成,油画运用光线,阴影和层层覆色,能惟妙惟肖地描绘出人物的肌肤细腻的色彩变化,令人感受到肌肤下流动的血液。暗部或阴影中的物象,产生稳定,深邃的体积感和空间感受,增加画面色彩的饱和度。油画以光影韵律为其形式美特征,追求真实感、立体感、节奏感、明暗光影感。光影韵律的追求,首先导致对对象团块结构的理解,线为体面服务。光的具体化就是色彩,色彩不仅是最重要的造型手段,而且也是最重要的表现手段。如印象派及其后以创造性的主动精神去运用色彩,他们在对自然的色彩作了认真的观察、分析、理解之后,在获得对客观物象色彩的鲜明、强烈的感受和整体的色调认识之后,同时要求主动地,有所追求地去表现色彩,强调色彩的想象力,他们关注光影、色彩所产生的心灵作用,注意到色彩对人类心灵的某种暗示。他们在观察自然时,思于自然中的“光”与“色”的关系,他们为强烈的光色变化与空气感而陶醉。 再次是透视、写实性不同。国画中的空间处理方式是散点透视,即指画面的构成不受时间和空间的限制,把时间和空间相结的一种表现方法。中国山水画空间特征更靠近时空转换,擅长把握生命运动的奥秘。宋代郭熙提出的“三远法”能给画家经营位置以广阔天地,画家可以在一幅画上综合交错地使用三远法安排形象,在长卷中更能使景物有起有伏,有隐有显,有开有合,将散点透视和艺术表现效果结合在一起。散点透视使国画从有限中见到无限,再从无限中回归有限,如此回旋经复,节奏鲜明,给画面带来了整体上的音乐节奏感与和谐感。国画总体上倾向于表现性,它的内涵、隐喻、言不尽意、意在言外显示出中国艺术的重性灵、重“意在象外”,象外意、象外之情把艺术的审美对象由外部世界转向内部世界,把艺术的传导力由再现转向表现。国画的中心观念是“气韵生动”。“气”是画家的内在激情冲动“韵”是“气”表现在画面上的某种韵味、情趣。焦点透视,就象照相机,焦距对准的地方清楚,集中之外的模糊,从而表现出距离。从物理学的原理出发,用固定的视点表现同一个空间。这种透视只有一个固定的视点、视向和视域,作画取景也只限于在这个视点、视向所决定的视域内。油画以有限见到无限,并一往而不复返。19世纪末期,西方的现代派画家向传统的西方焦点透视发起了攻击,但也无法否认西方焦点透视的根深传统,在现代派那里也无法否认这种实质,如西方现代派的照相写实主义,仍然可看到传统焦点透视学在形象上的完美体现。西方美术的审美趣味,在于真和美,非常追求对象的真实和环境的真实。为了达到逼真的艺术效果,十分讲究比例、明暗、透视、解剖、色度、色性等科学法则,运用光学、几何学、解剖学、色彩学等作为科学依据。第四、诗画结合上的不同。国画诗、书、画、印有机结合,天衣无缝,相映成趣共同创造完整的艺术形象。国画上能有题识,主要基于中国画笔墨线条的抽象的、超实象的形式结构,与书法、印章灵犀一点脉脉相通,在画面中显得十分和谐。国画灵活变化的空间形式能够包容题识,并使题识的书法有机地成为画中的一部分,使画面的构图韵律、线条节奏、笔墨韵味更加响亮,更加丰富,更加充实,内在形式上诗画相济。诗画相济,首先是意境了的契合,是胸中的感情同时发为诗和画,从而在形式上自然融合,互为表里。在画面的有限形象中包含无限的不可见的情意。西方近代美学开创的时候,德国的莱辛在《拉奥孔》中提出“诗画分界”说指出,绘画凭借线条和色彩描绘那些同时并列于空间的物体,因此绘画不适于处理事物的运动、变化与情节。诗通过语言和声音叙述持续于时间的动作,所以诗不适于充分地、逼真地描写静止的物体。西文戏画两方面的特点,使西方绘画产生以戏入画的美学特点。在古希腊罗马至文艺复兴时期,画中有戏,以戏剧性的情节、动作作为画面内在的构架,是艺术上的普遍现象。第五、画家作手不同。国画画家多为“业余人世”,官员、文人、士大夫,绘画只是消遣。“专业人世”往往是画工,他们的作品多留于庙宇中。国画讲究“一气呵成”,因此作品多是一次性完成的。而油画画家一般有很强的职业性,只有经过手工作坊式的长期严格训练,才能学会绘画技术。油画必须多次修改后,才能得到效果。最后是审美取向不同。 中国的古典哲学思想“天人合一”表明人由审美走向人际,回到生活。绘画作品灵肉兼顾,情、理交融。它中庸平衡,与自然同在,重视此在。中国古代画家多以儒家的思想来看待绘画的社会功能,审美方面则以道、释思想为指导,用道、释的宇宙观去领悟自然。国画的审美心理,要求所描绘的东西直接诉诸人的感官,诉诸人的情感和想象,也即“天人合一”。而西方的古典哲学思想“神人合一”表明人由审美走向宗教,皈依上帝。绘画作品尊崇灵魂,鄙视肉体,希望向上帝赎罪,以企求来世。不同的民族必定有其特定的历史沿革,民族主体性格,心理素质,文化背景,风俗民情及其艺术观念和艺术理想等等。如果说中国美术尚意,那么西方则尚形;中国绘画重表现、重情感,西方绘画则重再现、重理性;中国绘画以线条作为主要造型手段,西方绘画则主要是由光和色来表现物象;中国绘画不受空间和时间的局限,西方绘画则严格遵守空间和时间的界限。这种鲜明差异成为世界美术领域中的两大体系。
美术可分为平面和立体两大类。也可分为绘画和设计两类。 平面和立体,这两大类可以再细分成: 素描,速写,油画,版画,装饰画…… 和雕塑,建筑……(本人学的是平面设计,因此暂且举了这几个立体的种类) 绘画和设计很好理解,一般来说画面感觉提炼和概括的往往是设计,(很多时候二者是相容的不好细分,因此是相对而言的) 绘画的表现手法往往是设计之外的一些,比方说体面关系,质感表现等等。即使是抽象的绘画,在笔法和视觉处理上与设计也是有着一些区别的。 总之学习多了就不难分别绘画和设计了。 美术从传统学术的定义上讲是分为三大部分 绘画,雕塑,建筑 绘画:有素描,水彩,油画,中国画,水粉,版画和速写写生…… 雕塑和建筑就不多说了 美术从大方向来说分为绘画和设计两大类,像素描色彩之类的只是学习创作和设计的基础! 美术功底包括造型能力、塑造能力、表现能力、组织能力、审美能力等 就你现在的情况来看,去听听讲座,看专业以及相关的书籍,例如摄影,设计,广告等,和高手交流,其实最主要的还是自己多看, 总的来说美术包括素描,色彩(水彩,水粉,油画,版画等),速写 1,绘画。包括:油画、国画、装饰画、农民画等等。 2、雕塑。 3、书法。 4、建筑。 5、工艺。 6、综合。包括:装帧设计、动漫设计、舞美设计等等。 就不一一具体解释了。
你这个就是论文了,上网去找吧,写东西要凑的,不可能完全照搬,天下文章一大抄,就看你会不会抄了。绘画方面支持2楼的观点,不管是什么绘画风格,共同之处都在于追求美的境界,把一些原本平常无奇的景物转变为一种唯美的画面
艺术类的东西都是文化背景决定的,你要分析东西方美术的差异,首先必须分析东西方文化的差异,所受的教育决定人的精神,行为,语言等等,不论是东方的美术还是西方的美术,都是作者一种精神状态的体现,也很大程度地体现时代背景 简言之, 西方美术倾向于写实; 东方美术倾向于写意。

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